Das Gemälde ist Teil einer Werkserie und zeigt geschlossene Mohnblumen. Es thematisiert auf vielschichtige Weise die doppelte Bedeutung des Mohns: einerseits als ästhetisch ansprechende und medizinisch genutzte Pflanze, andererseits als global gehandelte Ware, die in politische und ökonomische Konflikte verstrickt ist. Das Werk verknüpft persönliche und globale Perspektiven auf Migration und Handel und lädt dazu ein, über die Ambivalenz von Naturprodukten sowie deren politische und soziale Instrumentalisierung im Kontext von Identität nachzudenken.

2) Reise

Dieser Film arbeitet verknüpfend mit Themen wie Reise, Flucht oder Sexualität und schafft somit eine adäquate Darstellung im Bezug zu Reisen und Migration. Die Reise von einem Herkunftsland zu einem anderen Land ist mit vielen Grenzen verbunden, die es zu überwinden gilt. Oftmals wird in diesem Prozess die eigene Identität in Frage gestellt, vielleicht wird man sogar dazu gezwungen, diese aufzugeben, wenn man im neuen Land „ankommen“ will. In vielen Fällen sterben Menschen bei dem Versuch, Grenzen zu überqueren – während im Kontext von Weltmeisterschaften oder Olympischen Spielen mit Zusammenhalt und Freundschaft geprahlt wird.

 3) Ankommen

Die Menschen, die es geschafft haben, Grenzen zu überqueren, stehen nun vor einer unsicheren Zukunft – werden sie ankommen? Wenn ja, welches Leben erwartet sie? Werden sie es schaffen, Arbeit und eine Community zu finden, ein fester Teil der Gesellschaft zu werden? Nachdem Besucher:innen in den Saal eintreten und die lange Rampe wie eine Brücke vom erhöhten Eingang hinuntergehen, um sich auf die Reise in die Ausstellung begeben, werden sie von folgendem Exponat begrüßt: Mittig im Saal angeordnet, präsent und irgendwie auch der Knotenpunkt der Ausstellung, repräsentiert es das Leben und das Ankommen von Migrant:innen: eine Sammlung von 14 Fotografien aus verschiedenen Jahren, die den Alltag von vietnamesischen Menschen, die in die USA eingewandert sind, dokumentieren. Genauer genommen handelt es sich um geliebte Menschen des Fotografen – Ocean Vuong. Ocean Vuong wurde in Vietnam geboren und zog im Alter von zwei Jahren mit seiner Familie in die USA, wo er bis heute lebt. Als Schriftsteller greift er in seinen Büchern seine Erfahrungen und seine Herkunft auf und beschäftigt sich mit Themen wie „Klasse, Sexualität, Migration und geopolitische[n] Ereignisse[n]“, wie im Ausstellungsführer zu lesen ist. Ähnlich wie seine Bücher erzählt auch seine Fotografie-Sammlung eine Geschichte. Die Bilder häufig rund um die Feierlichkeiten zum 4. Juli. Eine Hälfte der Fotos zeigt Momentaufnahmen aus dem Nagelstudio von Vuongs Mutter, die andere Hälfte besteht aus Bildern seines Bruders Nicky.

Im Kontext des US-amerikanischen Unabhängigkeitstags verbindet diese Fotografie-Sammlung die Themen Identität, Migration und Familie miteinander und symbolisiert ein Oxymoron: Selbst am Tag der Unabhängigkeit sind die USA abhängig von bestimmten Dienstleistungen wie denen, die im Nagelstudio von Vuongs Mutter angeboten werden. Die Fotografie des Nagelstudios bildet den Mittelpunkt in Vuongs Werk. Es verbindet alle der vorab genannten Themen und verkörpert die Essenz vom alltäglichen Leben vietnamesische:r Migrant:innen – die stereotype und oft mit Vorurteilen behaftete Arbeit in einem Nagelstudio, dessen Arbeitskraft jedoch verlangt wird, sowie die Bedeutung von Familie und Generation, welche die Identität prägen.

Das Thema Migration wird in der Ausstellung Musafiri eindrucksvoll und vielschichtig präsentiert – lebendig, farbenfroh und zugleich von schmerzhafter Tiefe geprägt. Die große Vielfalt und Dichte der Objekte lädt zu einer intensiven Auseinandersetzung ein, wirkt dabei aber teilweise unübersichtlich, zumal ein klarer thematischer Fokus oder eine Führung nicht vorgegeben sind. Die Ausstellung richtet sich in erster Linie an Personen mit eigener Migrationserfahrung sowie an interessierte Besucher:innen, die sich mit Fragen von Identität, Zugehörigkeit und gesellschaftlicher Teilhabe auseinandersetzen möchten. Im Mittelpunkt steht dabei weniger ein klassisch aufklärerischer Anspruch im Sinne einer externen Wissensvermittlung, sondern vielmehr die Möglichkeit für die Künstler:innen, ihre eigenen Erfahrungen, Perspektiven und Identitäten sichtbar zu machen und zur Diskussion zu stellen. Dadurch hebt sich die Ausstellung in ihrer inhaltlichen und kuratorischen Ausrichtung deutlich von vergleichbaren migrationsbezogenen Inszenierungen ab, die häufig einer eurozentrischen Perspektive folgen und dabei oft bewusst oder unbewusst koloniale Strukturen der Aneignung und Fremdzuschreibung reproduzieren. Diese Ausstellung kommt dem Bemühen nach, eine Welt zu ermöglichen, in der Reisende ankommen können und als Gäste empfangen werden, und formuliert ein dringendes Plädoyer für die Anerkennung und Bekräftigung der polyphonen Welten all derer, die sich von den Orten ihrer Herkunft gelöst und auf den Weg gemacht haben.

Weiterführend für Interessierte: 

Kuratorisches Essay von Cosmin Costinaș: https://www.hkw.de/programme/musafiri/musafiri-curatorial-essay