{"id":964,"date":"2016-06-05T09:22:31","date_gmt":"2016-06-05T07:22:31","guid":{"rendered":"https:\/\/www2.hu-berlin.de\/ausstellungskritik\/couleurs-desert-2-2-3\/"},"modified":"2025-07-17T11:26:54","modified_gmt":"2025-07-17T09:26:54","slug":"kunstgewerbemuseum-berlin","status":"publish","type":"post","link":"https:\/\/www2.hu-berlin.de\/ausstellungskritik\/kunstgewerbemuseum-berlin\/","title":{"rendered":"Dauerausstellung Ein Haus f\u00fcr Kunst, Mode und Design, Kunstgewerbemuseum Berlin"},"content":{"rendered":"
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World Press Ausstellung 2016 im Willy-Brandt-Haus Berlin<\/p><\/div>\n

Unsere Gegenwart scheint vor allem eines zu sein: gepr\u00e4gt von Krieg, Zerst\u00f6rung, Flucht, Tod und Trauer. Der weltweit gr\u00f6\u00dfte und international anerkannte Wettbewerb f\u00fcr Pressefotografie zeigt dieses unverbl\u00fcmte Abbild unserer Zeit auf sehr eindringliche und radikale Weise. Wer sich noch bis zum 26. Juni die Gewinner des diesj\u00e4hrigen Presse Awards im Willy-Brandt-Haus in Berlin anschauen m\u00f6chte, sollte sich dar\u00fcber im Klaren sein. Das was tagt\u00e4glich \u00fcber die unterschiedlichsten Informationskan\u00e4le f\u00fcr einen kurzen Moment unsere Aufmerksamkeit erh\u00e4lt, ger\u00e4t nicht einfach in Vergessenheit, sondern zeigt sich bei der World Press Ausstellung in kuratiertem Gewand und vor allem in geballter Form.<\/p>\n

Die sonst stark verstreuten Bildbotschaften werden hier im zweiten Stock der SPD Parteizentrale im White Cube pr\u00e4sentiert. Auf den kargen wei\u00dfen W\u00e4nden, deren Anordnung und Aufteilung im Raum jeglichem \u00e4sthetischen und gestalterischen Empfinden entbehrt, h\u00e4ngen, in acht verschiedene Kategorien aufgeteilt, die gro\u00dfformatigen Fotografien. In beinahe allen Rubriken sind Fotos von gefl\u00fcchteten, verwundeten oder toten Menschen vertreten. Polizeigewalt in den USA, Bandenkriminalit\u00e4t in Honduras, B\u00fcrgerkrieg im Sudan, \u00fcberf\u00fcllte Fl\u00fcchtlingsboote. Und das Thema Nummer eins: Der Syrienkrieg.<\/p>\n

Brennende Autos, zerst\u00f6rte H\u00e4user, komplett zerbombte Stra\u00dfenz\u00fcge. Alles ist Schutt und Asche, nichts scheint mehr an seinem Ort zu sein. Zwischen den Ruinen erkennt man schemenhaft eine einsame Person am Ende der H\u00e4userflucht. Nebel – verzweifelte Gesichter versuchen mit letzter Kraft verwundete Menschen aus der Gefahrenzone zu tragen \u2013 vielleicht sind sie schon l\u00e4ngst tot. Der Blick auf eine Stadt am Abend. Qualm steigt auf. Ist es die untergehende Sonne, oder eine eingeschlagene Bombe, die den Horizont erhellt, w\u00e4hrend der sternenklare Himmel unscheinbar und teilnahmslos dar\u00fcber h\u00e4ngt? Die Bilder des Fotografen Sameer al Doumy zeigen alle einen kurzen Moment w\u00e4hrend des mittlerweile f\u00fcnfj\u00e4hrigen Krieges in Syrien, hier in Douma im S\u00fcdosten des Landes. Die Momente, die hier festgehalten wurden, stellen den Krieg und seine zerst\u00f6rerische Macht in n\u00fcchterner Klarheit aus. Manchmal wirken die Szenen fast wie arrangierte Settings des Kunstfotografen Jeff Wall, der bewusst mit der Unsicherheit des Authentizit\u00e4tsgehalts von Pressefotografien und insbesondere Kriegsfotografien spielt. Hier verschwimmen die Gattungsgrenzen von Presse-und Kunstfotografie auf eindrucksvolle Weise. So liegt den Aufnahmen des aus Douma stammenden al Doumy, eine bestimmte Botschaft zu Grunde, die auf perverse Weise den Wahnsinn und gleichzeitig die \u00c4sthetik des Krieges herausstellt.[1]<\/a> Weil ein Mensch mit westeurop\u00e4ischem Hintergrund sich jedoch meist keine Vorstellung dar\u00fcber machen kann, was er da vor sich sieht, stehen wir wie unbeteiligte Beobachter am anderen Ende der Welt und k\u00f6nnen lediglich eine \u201eVerschiebung vom dokumentarischen Sehen zum dokumentarischen F\u00fchlen\u201c wahrnehmen. [2]<\/a> Ein Gef\u00fchl der Empathie aber auch der Hilflosigkeit wird evoziert.<\/p>\n

Auch die Fotografien von Abd Doumany reihen sich in dieses Gef\u00fchl der Machtlosigkeit ein. Wie in der Pressefotografie \u00fcblich, stehen neben allen ausgestellten Abbildern kurze begleitende Texte mit Informationen zur Entstehung, zum Ort und Datum, die das Bild in einen konkreten Kontext einbinden und eine Art Zeugnis- oder Beweisfunktion innehaben. Doch genau genommen ben\u00f6tigen diese Motive keine Beschriftung oder Erkl\u00e4rung. Der Mann, der den leblosen, toten, blut\u00fcberstr\u00f6mten K\u00f6rper seiner Tochter auf dem Scho\u00df liegen hat und sie mit einem fragenden Blick anschaut, als ob er nicht begreift, was da vor sich geht – dieses Bild spricht f\u00fcr sich, es bedarf keines Nachweises. In ihm spricht der Wahnsinn des Krieges auf so eindringliche und ersch\u00fctternde Weise, dass das betretende Schweigen im Ausstellungsraum fast schon zu einer Beklemmung wird. Und vielleicht ist genau deshalb der Beweis, dass es sich um authentische Abbilder des Syrienkrieges handelt, nicht notwendig. Diese Fotos scheinen uns eher wie ein Mahnmal zu sein, welches daran erinnern m\u00f6chte, dass der Krieg eine Kraft besitzt, die der Mensch nicht begreifen kann.<\/p>\n

Ist es also eine reale oder konstruierte Wirklichkeit, die von den dokumentarischen Bildern erzeugt wird? Glauben wir der Filmemacherin Hito Steyerl, dann ist jede scheinbare Realit\u00e4t in solchen Fotos ein Konstrukt. \u201eDie dokumentarische Form bildet demnach nicht die Realit\u00e4t ab, sondern ihren eignen Willen zur Macht.\u201c[3]<\/a> Doch welche Macht geht von diesen Fotografien aus? Die Fotografien haben alle den Anspruch, ein m\u00f6glichst authentisches Abbild der Wirklichkeit ins Licht zu setzen. Dabei wird dem Fotografen die Rolle eines Zeugen zugeschrieben. Doch bei genauerer Betrachtung sind auch Pressefotografien nichts anderes als Moment-Inszenierungen. Es werden Wirklichkeitsbilder konstruiert, die auf komprimierte Weise einen komplexen Sachverhalt, in diesem Fall den Krieg in Syrien, in einer Fotografie f\u00fcr die Welt zug\u00e4nglich machen. Sie sollen ein Gef\u00fchl transportieren, welches uns die Grausamkeit des Krieges erahnen l\u00e4sst. Durch das subjektive Auge der Kamera wird ein Bild hervorgebracht, welches die scheinbare Realit\u00e4t von Millionen von Menschen auf die Bildschirme der Nachrichtensender, in die Foren der globalen Social-Media-Communities und auf die wei\u00dfen, kargen W\u00e4nde des Willy-Brandt-Hauses bringt.<\/p>\n

Brian O\u2019Doherty h\u00e4tte die H\u00e4ngung in White Cube Manier der 20er Jahre wahrscheinlich mit einem sterilen Krankenhausflur verglichen.[4]<\/a> Und angesichts der ungl\u00fccklichen Anordnung der hochwertigen Pressefotos w\u00e4re dieser Vergleich auch angemessen. Ohne jegliche Konzeptualisierung wird auf der einen Seite \u2013 wie eben beschrieben \u2013 der Krieg in allen seinen Facetten gezeigt und an der gegen\u00fcberliegenden Fensterfront h\u00e4ngen wie zum Trotz Sport- und Naturfotografien. Die schwarz-wei\u00dfen Unterwasserbilder von Anuar Patjane Floriuk zeigen eine Tauchercrew um einen riesigen Wal schwimmend. Ein imposantes Bild. Auf den Aufnahmen von Christian Ziegler zeigt sich die Natur von ihrer kuriosesten Seite. Farbenfrohe Cham\u00e4leons in Nahaufnahme. Der Anblick der traumatisierenden Kriegsabbildungen scheint diese Themen jedoch zwangsl\u00e4ufig in den Hintergrund zu dr\u00e4ngen \u2013 so, als w\u00e4ren es belanglose Angelegenheiten, die in der World Press auch noch irgendwo untergebracht werden mussten.<\/p>\n

Hier liegt die T\u00fccke der Ausstellungskonzeption. Anstatt die Kategorien f\u00fcr sich sprechen zu lassen, scheinen sie miteinander zu konkurrieren. Zumindest in der konkreten Ausstellungssituation im Willy-Brandt-Haus. Denn die Wanderausstellung wird in insgesamt 45 L\u00e4ndern gezeigt. Es bleibt zu hoffen, dass an den anderen Ausstellungsorten eine gelungenere Pr\u00e4sentation der Fotografien zu sehen sein wird. Eine Pr\u00e4sentationform, die allen Rubriken ihren Platz und auch Themen, wie die Rettung von Orang-Utans in den Regenw\u00e4ldern von Sumatra oder die Synchronschwimmer aus Schweden f\u00fcr sich sprechen l\u00e4sst. Denn diese Informationen treten nicht nur in der World Press Photo Ausstellung in den Hintergrund, sondern gehen auch meistens in der Nachrichtenflut des Alltags unter. Sollten wir diesen Momenten, die auch unser Leben bestimmen, dann nicht gerade bei solch einer Ausstellung ein wenig mehr Aufmerksamkeit schenken? Vor allem sollten wir sie nicht mit dem Krieg konkurrieren lassen, der unsere Sinne \u00fcberfordert und keinen Platz mehr f\u00fcr andere Themen l\u00e4sst.<\/p>\n

[1]<\/a> Auf diesen Grenzgang machte schon Walter Benjamin in seiner medienkritischen Schrift \u201eDas Kunstwerk im Zeitalter seiner technischen Reproduzierbarkeit\u201c aufmerksam. F\u00fcr weitere Informationen siehe Walter Benjamin: Das Kunstwerk im Zeitalter seiner technischen Reproduzierbarkeit, in: Ders.: Illuminationen, S. 136-169, hier: 168f.<\/p>\n

[2]<\/a> Hito Steyerl (2008): Die Farbe der Wahrheit. Dokumentarismen im Kunstfeld, Wien: Turia + Kant, S. 13.<\/p>\n

[3]<\/a> Hito Steyerl (2008): Die Farbe der Wahrheit. Dokumentarismen im Kunstfeld, Wien: Turia + Kant, S. 10.<\/p>\n

[4]<\/a> Brian O\u2019Doherty \u00fcber den White Cube: Brian O\u2019Doherty (1996): In der wei\u00dfen Zelle. Inside the White Cube\u201c Berlin: Merve.<\/p>\n

 <\/p>\n

\n

World Press Photo 2016
\n03. Juni \u2013 26. Juni 2016<\/p>\n

Willy-Brandt-Haus Berlin
\nWilhelmstra\u00dfe 140
\n10963 Berlin<\/p>\n

www.worldpressphoto.org<\/a><\/p>\n","protected":false},"excerpt":{"rendered":"

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Museum <\/span>\u2013 Aus der Mode?<\/span><\/h2>\",\r\n \"align\": \"top\",\r\n \"row\": 0,\r\n \"col\": 1,\r\n \"colspan\": 18,\r\n \"offsetx\": 0,\r\n \"offsety\": 0,\r\n \"spaceabove\": 0,\r\n \"spacebelow\": 0,\r\n \"yvel\": 1,\r\n \"push\": 1,\r\n \"relid\": 620,\r\n \"frameOverflow\": \"\"\r\n },\r\n {\r\n \"type\": \"text\",\r\n \"cont\": \"

Dauerausstellung Ein Haus f\u00fcr Kunst, Mode und Design<\/em> im Kunstgewerbemuseum Berlin<\/p>\",\r\n \"align\": \"top\",\r\n \"row\": 1,\r\n \"col\": 1,\r\n \"colspan\": 18,\r\n \"offsetx\": 0,\r\n \"offsety\": 0,\r\n \"spaceabove\": 0,\r\n \"spacebelow\": 0,\r\n \"yvel\": 1,\r\n \"push\": 1,\r\n \"relid\": 7,\r\n \"frameOverflow\": \"\"\r\n },\r\n {\r\n \"type\": \"text\",\r\n \"cont\": \"

Johanna B\u00e4r<\/span><\/p>\",\r\n \"align\": \"top\",\r\n \"row\": 2,\r\n \"col\": 3,\r\n \"colspan\": 13,\r\n \"offsetx\": 0,\r\n \"offsety\": 0,\r\n \"spaceabove\": 0,\r\n \"spacebelow\": 0,\r\n \"yvel\": 1,\r\n \"push\": 3,\r\n \"relid\": 6,\r\n \"frameOverflow\": \"\"\r\n },\r\n {\r\n \"type\": \"text\",\r\n \"cont\": \"

Das Kunstgewerbemuseum in Berlin besch\u00e4ftigt sich in einem eigenen Sammlungsschwerpunkt mit dem Thema Mode. 130 Exponate dieser Sammlung lassen sich seit 2014 in einer Dauerausstellung betrachten. Die galerieartige Schaureihung erm\u00f6glicht ein Flanieren durch die letzten 300 Jahre europ\u00e4ischen Stilempfindens.<\/em><\/span><\/p>

Das Kunstgewerbemuseum l\u00e4dt zu einem besonderen Schaufensterbummel ein. Im Ausstellungsbereich Mode lassen sich in ger\u00e4umigen Vitrinen gut 130 Kost\u00fcme und Accessoires bestaunen. Was fehlt, sind scheinbar nur noch die Preisschilder. Stattdessen geben kleine Tafeln Auskunft \u00fcber Art des Kleidungsst\u00fccks, Material und Entstehungszeit. Eine schlicht und dunkel gehaltene Raumstruktur leitet durch lange Korridore entlang der galeriehaften Vitrinenreihung. Gef\u00fcllt sind diese mit einzelnen Exponaten oder Ensembles des Barock bis heute. Unterteilt in f\u00fcnf Epochen, l\u00e4sst sich hier durch die letzten 300 Jahre der Modeentwicklung, zumindest der aristokratischen, spazieren.<\/span><\/p>\",\r\n \"align\": \"top\",\r\n \"row\": 3,\r\n \"col\": 1,\r\n \"colspan\": 18,\r\n \"offsetx\": 0,\r\n \"offsety\": 0,\r\n \"spaceabove\": 0,\r\n \"spacebelow\": 0,\r\n \"yvel\": 1,\r\n \"push\": 1,\r\n \"relid\": 5,\r\n \"frameOverflow\": \"\"\r\n },\r\n {\r\n \"type\": \"img\",\r\n \"cont\": \"\/wp-content\/uploads\/2016\/06\/mode1.png\",\r\n \"align\": \"top\",\r\n \"row\": 4,\r\n \"col\": 0,\r\n \"colspan\": 3,\r\n \"offsetx\": 0,\r\n \"offsety\": 0,\r\n \"spaceabove\": 0,\r\n \"spacebelow\": 0,\r\n \"yvel\": 1,\r\n \"push\": 0,\r\n \"relid\": 984,\r\n \"attid\": 82,\r\n \"sizes\": {\r\n \"full\": \"\/wp-content\/uploads\/2016\/06\/mode1.png\"\r\n },\r\n \"w\": 490,\r\n \"h\": 653,\r\n \"ar\": 1.3326530612244898,\r\n \"alt\": \"\",\r\n \"frameOverflow\": \"\"\r\n },\r\n {\r\n \"type\": \"text\",\r\n \"cont\": \"

Bis auf ausgew\u00e4hlte Fotografien und knappe Einleitungstexte sprechen die Dinge in dieser Ausstellung f\u00fcr sich selbst. Es wird darauf verzichtet, sie in ihrem jeweiligen Kontext zu inszenieren. Auf handgefertigten, farblosen Schneiderpuppen findet vom \u00fcppigen Barockt\u00fcll bis zum koketten kleinen Schwarzen einiges zusammen. So zum Beispiel ein umst\u00e4ndlich-ausladendes Kleid des sp\u00e4ten 17. Jahrhunderts, laut Beschreibung ein \u201einformelles Hauskleid\u201c. Hier etwa fragt sich der\/ die Betrachtende, welche Anspr\u00fcche wir heute an unsere Garderobe stellen. Wie viele der Objekte stammt das Kleid aus der Sammlung Kamer\/ Ruf, mit deren Ankauf sich das Museum im Jahre 2003 f\u00fcr einen neuen Schwerpunkt entschieden hat. Die Sammlung besteht aus Haute Couture, Coutiersch\u00f6pfungen und vornehmen Schnitten wie Stoffen \u2013 von Subkulturen oder Gegenwelten keine Spur. Dass sich politische und soziale Ver\u00e4nderungen in Moden und \u00c4sthetikideen spiegeln, scheint vorausgesetzt, auf eine umfassende historische Belehrung wird hingegen verzichtet.<\/span><\/p>\",\r\n \"align\": \"top\",\r\n \"row\": 4,\r\n \"col\": 4,\r\n \"colspan\": 15,\r\n \"offsetx\": 0,\r\n \"offsety\": 0,\r\n \"spaceabove\": 0,\r\n \"spacebelow\": 0,\r\n \"yvel\": 1,\r\n \"push\": 1,\r\n \"relid\": 985,\r\n \"frameOverflow\": \"\"\r\n },\r\n {\r\n \"type\": \"text\",\r\n \"cont\": \"

Sensible Materialien n\u00f6tigen nun zu besonderem Pr\u00e4sentationsaufwand: M\u00f6glichst dunkel und staubgesch\u00fctzt, bestenfalls wechselnde Exponatensembles, so der Anspruch. Was daraus folgt ist eine Distanz und Unnahbarkeit, die sich aus den gro\u00dfen Vitrinenscheiben speist, die zwischen Werke und Besuchende treten. Recht asketisch und steif kommt die Inszenierung auf den ersten Blick daher. Die serielle und reine Pr\u00e4sentationsform scheint sich bewusst gegen sonst so h\u00e4ufig aufgeladene Emotionsobjekte auszusprechen[1]<\/a>. Wer immer Versace, Chanel und Co. getragen hat und zu welchem Anlass \u2013 es findet hier keine Erw\u00e4hnung. Die Exponate kommunizieren \u00fcber ihren Singularit\u00e4tsanspruch, \u00fcber ihre Materie, \u00fcber ihre Form. Der jeweilige historische Lifestyle ist der Phantasie der Besuchenden \u00fcberlassen. Und hierin liegt schlie\u00dflich das inspirative Potential, das es rechtfertigt, den Werken einen eigenen Kommunikationsrahmen zu verschaffen.<\/span><\/p>\",\r\n \"align\": \"top\",\r\n \"row\": 5,\r\n \"col\": 2,\r\n \"colspan\": 13,\r\n \"offsetx\": 0,\r\n \"offsety\": 0,\r\n \"spaceabove\": 0,\r\n \"spacebelow\": 0,\r\n \"yvel\": 1,\r\n \"push\": 2,\r\n \"relid\": 405,\r\n \"frameOverflow\": \"\"\r\n },\r\n {\r\n \"type\": \"img\",\r\n \"cont\": \"\/wp-content\/uploads\/2016\/06\/mode2.png\",\r\n \"align\": \"top\",\r\n \"row\": 5,\r\n \"col\": 16,\r\n \"colspan\": 4,\r\n \"offsetx\": 0,\r\n \"offsety\": 0,\r\n \"spaceabove\": 0,\r\n \"spacebelow\": 0,\r\n \"yvel\": 1,\r\n \"push\": 1,\r\n \"relid\": 1509,\r\n \"attid\": 83,\r\n \"sizes\": {\r\n \"full\": \"\/wp-content\/uploads\/2016\/06\/mode2.png\"\r\n },\r\n \"w\": 485,\r\n \"h\": 646,\r\n \"ar\": 1.3319587628865979,\r\n \"alt\": \"\"\r\n },\r\n {\r\n \"type\": \"img\",\r\n \"cont\": \"\/wp-content\/uploads\/2016\/06\/mode3.png\",\r\n \"align\": \"top\",\r\n \"row\": 6,\r\n \"col\": 0,\r\n \"colspan\": 5,\r\n \"offsetx\": 0,\r\n \"offsety\": 0,\r\n \"spaceabove\": 0,\r\n \"spacebelow\": 0,\r\n \"yvel\": 1,\r\n \"push\": 0,\r\n \"relid\": 640,\r\n \"attid\": 84,\r\n \"sizes\": {\r\n \"full\": \"\/wp-content\/uploads\/2016\/06\/mode3.png\"\r\n },\r\n \"w\": 775,\r\n \"h\": 582,\r\n \"ar\": 0.7509677419354839,\r\n \"alt\": \"\",\r\n \"frameOverflow\": \"\"\r\n },\r\n {\r\n \"type\": \"text\",\r\n \"cont\": \"

Die Pr\u00e4sentationsform intendiert dar\u00fcber hinaus eine Konsumanalogie, die die Exponate aus ihrem klassischen Museumsdasein herauszulocken scheint. Anders aber als im Einkaufszentrum, l\u00e4sst sich nicht mit den Objekten in Kontakt treten. Gerade Kleidung, so lie\u00dfe sich argumentieren, birgt Aspekte der Ber\u00fchrung, des Gef\u00fchls, des Gewichtes von Stoffen, des Faltenwurfes. Die Ausstellung MODE funktioniert indes weitestgehend visuell. Es wird das vergleichende Sehen animiert und die Narration erfolgt anhand der Objekte selbst. Es werden keine auditiven oder haptischen Reize adressiert, eine Anprobe von Repliken ist nicht m\u00f6glich.<\/span><\/p>\",\r\n \"align\": \"top\",\r\n \"row\": 6,\r\n \"col\": 6,\r\n \"colspan\": 13,\r\n \"offsetx\": 0,\r\n \"offsety\": 0,\r\n \"spaceabove\": 0,\r\n \"spacebelow\": 0,\r\n \"yvel\": 1,\r\n \"push\": 1,\r\n \"relid\": 858,\r\n \"frameOverflow\": \"\"\r\n },\r\n {\r\n \"type\": \"text\",\r\n \"cont\": \"

Sollten Museen eine ideengeschichtliche Ann\u00e4hrung erleichtern wollen; die Distanz scheint in diesem Falle ungebrochen. Ein Medienraum, zurzeit nicht zug\u00e4nglich, bietet einen Film zum Thema Mode und Textilrestauration. Wenn der Katalog also \u201eein[en] Ort, an dem Modegeschichte vielf\u00e4ltig erlebbar ist\u201c<\/a>[2]<\/a>\u00a0verspricht, so l\u00e4sst sich fragen, was den Erlebnischarakter an dieser Stelle ausmachen soll. Keine Interaktion, keine virtuelle Anprobe, kein didaktisch abverlangendes Konzept. Evidenzen scheinen nicht \u00fcberworfen<\/a>[3]<\/a>, es werden kaum kritische Reaktionen provoziert und die Ausstellung entbehrt einer Selbstreflektion. Durch das Glas ergibt sich eine seltsame Distanz zu den Werken und die asketische Visualisierungsform zieht sich auch durch die Kunstschatz- und Designabteilungen des Kunstgewerbemuseums. Mehr ein stilles Zeigen, denn ein Ausdeuten der Werke findet hier Realisierung. Br\u00fcche im eigenen Denken oder innovative Fragestellungen erwartet Interessent_Innen weniger, als vielmehr eine belegende Pr\u00e4sentation der Belle \u00c9poque bis in die 2000er. Entgegen manch klassisch-\u00f6dem Museumstext aber wird so auch auf nur eine vorgegebene Lesart verzichtet. Die Leerstellen lassen sich als Ansto\u00df verstehen, eigene Fragen an die Exponate zu erdenken, nach dem Anderen oder nach Abwesenheiten zu fragen. Und so erm\u00f6glicht das Konzept den Besuchenden, ihre eigene Ausstellungserfahrung zu gestalten.<\/span><\/p>

Mit 10.000 Besucher_Innen 2014<\/a>[4]<\/a>\u00a0z\u00e4hlt das Kunstgewerbemuseum im Berliner Vergleich zu den weniger frequentierten Einrichtungen. An einem Dienstagnachmittag im Mai durchwandeln drei weitere Besucher_Innen die Modesammlung, das Personal ist deutlich in der \u00dcberzahl. Beim Verlassen des Geb\u00e4udes findet sich gerade eine Seniorengruppe davor ein. Wenn Mode gleich Wandel ist, dann stellt sich die Frage: Wann wandelt sich der Museumsbetrieb?<\/span><\/p>

\u00a0<\/em><\/span><\/p>

[1]<\/a>\u00a0Vgl. bspw. die Ausstellungsidee\u00a0Treasured Posessions<\/em>, unter: http:\/\/www.fitzmuseum.cam.ac.uk\/gallery\/treasuredpossessions\/, zuletzt gepr\u00fcft am 26.05.2016<\/span><\/p>

<\/a>[2]<\/a>\u00a0Vgl.\u00a0Waidenschlager, Christine<\/em>: Mode. Kunst. Werke. 1715 bis heute. Kunstgewerbemuseum \u2013 Staatliche Museen zu Berlin 2014.<\/span><\/p>

<\/a>[3]<\/a>\u00a0Wie z.B. von Daniel Tyradelis gefordert. Vgl.\u00a0Tyradelis, Daniel<\/em>: M\u00fcde Museen. Oder: Wie Ausstellungen unser Denken ver\u00e4ndern k\u00f6nnten, Hamburg 2014, S. 151.<\/span><\/p>

<\/a>[4]<\/a>\u00a0Vgl. http:\/\/www.preussischer-kulturbesitz.de\/fileadmin\/user_upload\/documents\/presse\/pressemitteilungen\/2015\/150128_JPK_02_Anhang-Zahlen.pdf, zuletzt gepr\u00fcft am 02.06.2016.<\/span><\/p>\",\r\n \"align\": \"top\",\r\n \"row\": 7,\r\n \"col\": 1,\r\n \"colspan\": 18,\r\n \"offsetx\": 0,\r\n \"offsety\": 0,\r\n \"spaceabove\": 0,\r\n \"spacebelow\": 0,\r\n \"yvel\": 1,\r\n \"push\": 1,\r\n \"relid\": 1311,\r\n \"frameOverflow\": \"\"\r\n },\r\n {\r\n \"type\": \"text\",\r\n \"cont\": \"

Dauerausstellung<\/span>
Ein Haus f\u00fcr Kunst, Mode und Design<\/span>
Kunstgewerbemuseum<\/span>
Matth\u00e4ikirchplatz<\/span>
10785 Berlin<\/span><\/p>\",\r\n \"align\": \"top\",\r\n \"row\": 8,\r\n \"col\": 5,\r\n \"colspan\": 10,\r\n \"offsetx\": 0,\r\n \"offsety\": 0,\r\n \"spaceabove\": 0,\r\n \"spacebelow\": 0,\r\n \"yvel\": 1,\r\n \"push\": 5,\r\n \"relid\": 621,\r\n \"frameOverflow\": \"\"\r\n }\r\n ]\r\n}","phonegrid":"","jetpack_sharing_enabled":true,"jetpack_shortlink":"https:\/\/wp.me\/p7ChHw-fy","jetpack-related-posts":[{"id":331,"url":"https:\/\/www2.hu-berlin.de\/ausstellungskritik\/worldpressphoto\/","url_meta":{"origin":964,"position":0},"title":"World Press Photo 2016, Willy-Brandt-Haus Berlin","author":"Die Redaktion","date":"3. Juli 2016","format":false,"excerpt":"Unsere Gegenwart scheint vor allem eines zu sein: gepr\u00e4gt von Krieg, Zerst\u00f6rung, Flucht, Tod und Trauer. Der weltweit gr\u00f6\u00dfte und international anerkannte Wettbewerb f\u00fcr Pressefotografie zeigt dieses unverbl\u00fcmte Abbild unserer Zeit auf sehr eindringliche und radikale Weise. Wer sich noch bis zum 26. 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